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HISTORIA DE LA DANZA MODERNA

Utilizaré la expresión ‘historia de la danza moderna’ para hablar de personajes, producciones coreográficas y hechos relacionados ocurridos en la cultura occidental desde finales del siglo diecinueve y hasta el año 1950, aproximadamente.

Sin embargo, es bueno recordar que la palabra ‘moderna/o’, aplicada a las artes, tiene un significado amplio y controversial. Por lo tanto, para el objetivo de esta página la utilizaré como una referencia cronológica. Una discusión acerca de la ‘modernidad’ de los personajes que mencionaré, o de sus creaciones, podría venir más adelante en otras publicaciones.

 

De acuerdo con los historiadores, la danza moderna tiene dos lugares de nacimiento: Europa (Alemania específicamente) y los Estados Unidos de América. Aunque evoluciona como una forma de danza escénica, no tiene raíces directas en compañías, escuelas o artistas provenientes del mundo de la danza clásica europea (el ballet). La danza moderna emerge como una consecuencia de su época, por su propia cuenta y al margen de instituciones académicas.

 

Si prefieres leer un resumen práctico de la historia de la danza moderna (con el nombre de los personajes que fueron o son significativos), puedes encontrarlo en nuestra página general de historia de la danza, (pero está en inglés). Lo que leerás a continuación es una versión ampliada de esa sección.


François Delsarte (1811 - 1871, Francia).

François Delsarte (retrato)

La historia de la danza moderna considera a Delsarte como uno de sus precursores porque él desarrolla una teoría sobre la relación entre el movimiento de los seres humanos y sus emociones.

Sus investigaciones lo llevan a concluir que para cada emoción humana o imagen mental corresponde un movimiento, o por lo menos una intención de éste. Este precepto impulsa uno de los componentes ideológicos principales de la danza moderna en sus orígenes: “las emociones y su intensidad son la causa del movimiento y de su calidad”. En otras palabras, la fuente de la danza se encuentra al interior del/la bailarín/a, y no fuera de él/ella, en lo que serían gestos codificados,  como propondría la danza clásica (el ballet).

Los siguientes son algunos de los aportes más reconocidos de Delsarte:

- Elaboración de un nuevo código gestual, completamente independiente del de la tradición de la danza clásica.

- Estudio y codificación de un sistema lógico acerca de las relaciones entre las diferentes partes del cuerpo, los tipos de movimiento y las emociones.

- Creación de un sistema para el estudio, análisis y enseñanza del movimiento.

- Invención de la noción fundamental acerca de la expresividad del gesto.

- Introducción de la importancia del cuerpo superior (tronco, brazos, rostro) como el vehículo de la expresión del alma.

Steele MacKay, quien fue discípula de Delsarte, difunde su teoría y enseñanzas en los Estados Unidos de América, dejando su influencia en varias figuras de la historia de la danza moderna como Ruth Saint Denis, Ted Shawn e Isadora Duncan, entre otras.


Émile Jaques-Dalcroze (1865 - 1950, Austria - Suiza).

Émile Jaques-Dalcroze (retrato)

Dalcroze es pianista y director musical. Es importante para la historia de la danza moderna porque desarrolla una nueva mirada sobre el movimiento llamada “Rítmica” o “Eurrítmica”. Su mayor aporte es el trabajo sobre la relación entre la música y el movimiento. Según él, el cuerpo expresa un grado de ‘musicalidad’ que puede ser estudiado y enseñado.

Dalcroze no planea aplicar sus descubrimientos sobre bailarines, sino sobre músicos. Sin embargo, su método de enseñanza tiene tanto éxito en Europa, que llega hasta algunas de las figuras más importantes de la época, como V. Nijinsky (a través de Marie Rambert), Mary Wigman y Rudolph Laban.

Éstas son algunos de sus aportes más reconocidos:

- Introducción de la noción de relación entre el movimiento y el ritmo.

- Creación de un método original para la educación a través del movimiento.

- Algunos de sus principios esenciales: los bloqueos corporales son causados por bloqueos rítmicos; la relajación es indispensable para lograr el movimiento correcto; la respiración es crucial para obtener la relajación y es el movimiento rítmico fundamental.

El método de Dalcroze también deja su influencia en los Estados Unidos de América gracias a la discípula de Mary Wigman, Hanya Holm.


Rudolph Laban (1879 – 1958, Hungría – Reino Unido).

Rudolph Laban y su sitema para analizar el movimiento: la cinetografía.Rudolph Laban y su sistema para analizar y escribir el movimiento: La cinetografía.

Entre los personajes que producen las bases conceptuales e ideológicas de la danza moderna, Rudolph Laban es considerado por la historia de la danza moderna como uno de los más productivos. Como coreógrafo, bailarín, profesor e investigador, logra difundir su nombre e ideas ampliamente: primero en Europa, luego hacia los Estados Unidos y finalmente hacia todo el planeta.

Laban publica varios artículos y libros reconocidos que siguen siendo aún referencias importantes para la teoría y la historia de la danza. Algunos de sus títulos son: “La Coréutica”, “La Maestría del Movimiento” y “Danza Educativa Moderna”.

También inventa la labanotación (o Cinetografía Laban), la cual es el sistema para analizar y escribir el movimiento más completo y efectivo creado hasta el momento. Con esto, abre un marco teórico completamente nuevo para analizar la forma y la calidad del movimiento.

Su pensamiento incluye la idea de que el movimiento humano es la base de la vida y que éste expresa el estado de la sociedad. Por lo tanto, según él, la danza debería ser considerada como una necesidad de la experiencia comunitaria. Cree que educar individuos y grupos a través del movimiento puede corregir a la sociedad.

Laban influencia a Mary Wigman, Kurt Joos, Albert Knust y a casi todos los bailarines modernos de Europa en el período entre las dos guerras mundiales.

Anne Hutchinson Guest lleva su sistema de escritura a los Estados Unidos, donde es enseñado hoy en día en muchas instituciones de educación superior en danza.

 

Mary Wigman (1886 – 1973, Alemania):

Desde una perspectiva coreográfica y de producción estética, Mary Wigman es, después de Laban, la figura más importante de la danza moderna Europea registrada por la historia de la danza moderna.

"La bruja". Coreografía: Mary Wigman

Al igual que Laban, Dalcroze y Delsarte (quienes son de extrema importancia principalmente por sus contribuciones ideológicas), Wigman desarrolla su propia manera de comprender la danza y la traduce en una cantidad significativa de obras coreográficas.

Se opone radicalmente a los valores y métodos de la danza clásica, en la búsqueda de una danza que cumpliría una función expresiva del alma del bailarín. Interesada por una relación cercana entre la espiritualidad y el movimiento, defiende la idea de la existencia de fuerzas invisibles que le darían vida a la danza. Desde este punto de vista, ella recrea de alguna manera la función  catártica atribuida a la danza en sociedades de la antigüedad.

Su trabajo coreográfico y pensamiento son considerados como parte de la corriente artística llamada el expresionismo alemán y su práctica recibe el nombre de “danza de expresión” o  “Ausdrückstanz” (en Alemán).

Las obras coreográficas de Wigman son recordadas por su carácter trágico y oscuro; son descritas como piezas introspectivas que revelan estados de ser interiores vibrantes, vitales, excitados y pasionales.

También se compromete con la misión social y educadora del coreógrafo, creando varias escuelas y transmitiendo su legado artístico. Entre sus discípulos reconocidos se encuentran Hanya Holm, Harald Kreutzberg, Gret Paluca y Kurt Joos.

Según la historia de la danza moderna, Wigman influencia  a toda la corriente alemana durante los años 1920s y 1930s y el período que sigue a la segunda guerra mundial. Sus ideas son llevadas a los Estados Unidos por Hanya Holm, quien transmite el legado a personajes como A. Nikolaïs.

Más aún, en otros países como Francia, por ejemplo, los discípulos de Wigman son los responsables de las corrientes de la danza moderna de la época.

Su obra mas famosa se titula “Hexentanz” (La bruja).


Loïe Fuller (1862 – 1928, EE.UU.)

Loïe Fuller no es considerada por la historia de la danza moderna realmente como una bailarina o coreógrafa. Esto es porque su mayor interés no es la danza, o el movimiento, como lo son para el resto de los bailarines modernos. Sin embargo, ella es la autora de cientos de obras escénicas en las cuales exhibe experimentos innovadores donde mezcla iluminación, elementos escénicos (grandes telas) y danza.

Iniciada en su país natal en el ámbito de los espectáculos de music hall, Fuller no tiene conocimientos de las tradiciones de la danza clásica, como los tienen la mayoría de los pioneros norte americanos de la danza moderna. Sin embargo, ella logra gran éxito en Europa (especialmente en París), donde causa gran influencia y marca las tendencias artísticas y modas de la época.

Además de ser la primera bailarina moderna en términos cronológicos (ella ya es exitosa en un momento en el que Rudolph Laban apenas está estudiando), Fuller es reconocida por la historia de la danza moderna por su gran aporte en cuanto a las posibilidades de crear ilusiones escénicas, gracias al uso de la energía eléctrica.

 

Isadora Duncan (1878 - 1927, EE.UU. - Francia)

Isadora Duncan.Isadora Duncan. Foto cortesía del Isadora Duncan International Institute, Inc.,NY, NY.

La historia de la danza moderna describe a Isadora como una figura emblemática de la libertad. Esto no es solamente porque ella se niega a seguir una educación en danza que sea académica, sino también porque tiene la valentía de romper tradiciones de la danza y códigos sociales con sus propuestas estéticas.

Construye su pensamiento estudiando otros lenguajes artísticos o campos ideológicos (como la poesía, la escultura, la música y la filosofía). En algún momento afirmó: “mis profesores de danza son J.J.Rousseau, Walt Whitman, y Nietzche”.

Para Isadora, la danza es la expresión de su vida personal. Tiene una inclinación hacia la naturaleza, lo que la hace crear piezas acerca de temas relacionados como las olas, las nubes, el viento y los árboles.

Una característica marcada de su método creativo es el uso de música clásica como fuente de inspiración, de la cual ella traduce sus emociones. Su danza también es influenciada por las figuras dibujadas en vasijas griegas de la antigüedad.

Europa recibe su carismática personalidad, túnica transparente, pies descalzos e incluso sus escándalos, como un nuevo mensaje lírico. Para la historia de la danza moderna, Isadora marca el nacimiento de otro tipo de danza, que sería la consecuencia de un movimiento interior del bailarín. Al mismo tiempo, ella encarna un nuevo espíritu de liberación de las convenciones y una idea de la danza como una expresión de la divinidad albergada en cada ser humano. Su aporte no es considerado tanto en términos de una técnica de danza sino sobre todo por lo que su trabajo significa para el proceso cultural de ampliar las mentalidades. Aún así, desde la perspectiva artística, ella actúa de acuerdo con algunos de los llamados ‘principios de la danza moderna’,  como el de inventar un lenguaje gestual y adaptar el movimiento al proyecto artístico.

Pero, como  lo mencioné antes, Isadora es recordada principalmente por su apoyo a la liberación de códigos convencionales que restringen el cuerpo (y especialmente el cuerpo femenino) como un hecho general de la sociedad de la época.

Aunque también se dedica a enseñar y funda numerosas escuelas en Europa, no deja discípulos significativos.

 

Ruth Saint Denis (1877 - 1968, EE.UU.)

Ruth Saint DenisRuth Saint Denis

Ruth Saint Denis se presenta ante el público y es reconocida principalmente en los Estados Unidos. Es la hija de una de las primeras mujeres admitidas en la Universidad, feminista y aficionada a métodos curativos alternativos. Crece en un ambiente ideológico de religiones orientales, que se verá reflejado luego en sus producciones coreográficas.

Luego de ser iniciada en el método de Delsarte, su madre la empuja a la escena para sostener a la familia. De esta manera comienza creando music halls en Nueva York.

Saint Denis también tiene su propio discurso místico y filosófico. La bailarina femenina es para ella como una sacerdotisa, lo cual contrasta con el prejuicio de la época según el cual la bailarina es una mujer de poca virtud. La danza es, para Saint Denis, un medio de reunificación con lo divino.

Ya siendo famosa, conoce a Ted Shawn, quien será su compañero en la fundación de la escuela y compañía DENISHAWN (Los Ángeles 1915 - 1931). Son reconocidos por la historia de la danza moderna por combinar el carisma apasionado de Saint-Denis con el rigor técnico de Shawn.

La escuela ofrece un programa ecléctico de cursos, desde yoga y religiones orientales hasta los métodos de Delsarte y Dalcroze. Algunos de sus profesores son Lester Horton, Michio Ito y Louis Horst.

Figuras importantes de la historia de la danza moderna como Doris Humphrey, Charles Weidman, y Martha Graham, también reciben sus enseñanzas y participan en las actividades de la compañía.

Las obras coreográficas de la Denishawn son recordadas por sus formatos grandes y espectaculares, con escenografías elaboradas y el desarrollo de lo que Saint-Denis llama “visualizaciones musicales”. Éstas últimas son representaciones danzadas de la música y son consideradas como un primer intento de abstracción coreográfica.

En 1931 la escuela se disuelve y la pareja se separa.

 

Ted Shawn (1891- 1972, EE.UU.)

Después de la disolución de la escuela y compañía Denishawn, Ted Shawn continúa su carrera coreográfica de manera independiente.

Con la primera compañía conformada únicamente por varones en la historia de la danza moderna, hace giras alrededor de los Estados Unidos (visitando universidades especialmente) y atrae a mucha gente joven de un nivel intelectual elevado.

Shawn, inspirado en Delsarte, combate el prejuicio del bailarín afeminado. Educa varones que se ven como atletas musculosos, creando una imagen de un bailarín deportivo y masculino.

También funda un centro coreográfico: El Jacob´s Pillow (Massachusetts), el cual es aún un lugar importante para la danza, tanto por su oferta educativa como por su festival de danza.

 

Doris Humphrey (1895 - 1958, EE.UU.)

"Aria en sol mayor". Coreografía: Doris Humphrey.

Doris Humphrey se incorpora la Denishawn en 1917, después de ser ya profesora de danza en su provincia de origen. Trabaja para Saint Denis tanto como bailarina y profesora y participa en las giras de la compañía por América y Asia hasta 1926.

Es al interior de la Denishawn que Humphrey se asocia con Charles Weidman y la pianista Pauline Lawrence para crear la compañía Humphrey - Weidman (1927 – 1944). Sus producciones artísticas son recordadas por la historia de la danza moderna como contrastantemente sobrias, comparadas con los despilfarros comerciales y espectaculares de Saint Denis. Además, Charles Weidman contribuye en ellas con un sentido teatral, utilizando la pantomima y el humor.

Humphrey desarrolla una técnica de danza original a partir de la observación de la relación entre el cuerpo humano y la gravedad. Establece un principio físico fundamental: La caída-recuperación. Esta noción se representa en su frase célebre “el movimiento se sitúa en un arco tendido entre dos muertes”… las cuales son el equilibrio vertical y el equilibrio horizontal.

Además de ser la primera en la historia de la danza moderna en escoger el desequilibrio como la base para su movimiento, también enseña nociones extremadamente importantes (en tanto  recursos técnicos) como el peso, el rebote, la suspensión y la importancia de la respiración.

Otro de sus aportes es la comprensión del grupo que baila como una entidad coreográfica principal y no simplemente como una masa que hace contraste o contrapunto a un solista. La obra llamada “Water study” (1928) es un ejemplo de sus experimentos grupales.

Humphrey también se interesa por otros asuntos, como temas nacionalistas o sociales, lo cual se refleja en obras como  “The Shakers” (1931), “Theater piece” (1936) o “Inquest” (1944).

Deja un patrimonio escrito acerca de su pensamiento coreográfico en un libro titulado “El arte de componer una danza”

En 1944 se retira de bailar debido a un padecimiento de artritis y José Limón, quien se ha unido al grupo Humphrey-Weidman desde 1928, crea una nueva compañía para la cual ella continúa trabajando como directora artística.


Jose Limón (José Arcadio Limón, 1908 - 1972, México – EE.UU.)

"El traidor". Coreografía: José Limón.

Limón es quien difunde la técnica de Humphrey en Europa. Aunque ese conocimiento es reconocido con su nombre, él siempre insiste en que la innovadora es Humphrey y él es simplemente el perpetrador.

A pesar de aquello, Limón tiene sus propios intereses coreográficos y trabaja sobre temas sociales. Expresa una consciencia acerca del estado precario de la humanidad, en obras dramáticas y trágicas sobre temas históricos de su contexto natal. Algunos ejemplos de esto son obras como “La Malinche” (1949), “Carlota” (1972) y “La Pavana del Moro” (1949).

Limón se ve fuertemente afectado la primera vez que asiste a una obra de danza (de Harald Kreutzberg e Ivonne Georgia). Su impresión es un ejemplo de lo que el mundo occidental está descubriendo en la época. Dice: “lo que presencié, simple e irreversiblemente cambió mi vida. Vi la danza como una visión de poder indescriptible. Un hombre puede bailar con dignidad y majestad torrencial; bailar como las visiones de Miguel Ángel o la música de Bach”.

Su debut en 1947 le merece el título de mejor bailarín masculino del momento, según el New York Times. También consigue el éxito en Europa, con una primera presentación en París en 1950.

 

Martha Graham (1894 - 1991, EE.UU.)

Martha GrahamMartha Graham

Graham ingresa en la escuela y compañía Denishawn en 1916 y se convierte en la discípula más famosa y monumental de este semillero. En 1923 se muda a Nueva York, donde participa en music halls y comedias musicales, al mismo tiempo que trabaja en solos de danza en su estudio.

Desarrolla su propia técnica de entrenamiento, la cual alcanzará un éxito mundial hasta nuestros días. Estos son algunos de sus principios:

- Concentración en el ‘centro’ del cuerpo.

- Coordinación entre la respiración y el movimiento.

- Relación con el piso.

- Alternancia entre dos intenciones de movimiento: “contracción y relajación”.

Graham crea un vocabulario coreográfico original, enfocado en los movimientos de la pelvis. Privilegia esta parte del cuerpo como zona de expresión de la libido femenina. También proclama la idea de que la danza trabaja sobre una memoria ancestral.

Su compañía es exclusivamente femenina hasta 1938 y ella se mantiene activa como coreógrafa durante un proceso que dura más de sesenta años. La historia de la danza moderna ha determinado algunos ciclos estéticos de su producción, para comprender mejor su obra: el ciclo oriental, el primitivo, el americano y el griego.

Sus obras también reflejan el ambiente americano de l momento, a través de su búsqueda de una identidad, la exaltación del espíritu pionero, la lucha contra el puritanismo y el seguimiento de una espiritualidad mística.

Figuras como Louis Horst, Erick Hawkins, Isamu Noguchi y compositores como Aaron Copland o Samuel Barber se encuentran entre sus colaboradores.

Estos son los títulos de algunas de sus obras:

Período primitivo:

-          “Lamentation” (1930)

-          “Primitive Mysteries” (1931). Tema: encontrar el alma universal imitando los pasos de los ancestros.

Período americano:

-          “Frontier” (1935)

-          “Appalachian Spring” (1944)

-          “American Document” (1938)

Período griego: (inventario de arquetipos de una sociedad matriarcal).

-          “Hérodiade” (1944)

-          “Cave of the heart” (1946). Tema: el mito de Medea.

-          “Night Journey” (1947). Tema: el mito de Jocasta.

-          “Clytemnestra” (1958)

-          “Judith (1950)”“Errand into the Maze” (1947). Tema: Arianne y el mito del minotauro.

En 1984, la compañía de Martha Graham ya es reconocida mundialmente, hasta el punto de ser invitada por Rudolph Nureyev a la ópera de París.

Muere en Nueva York en 1991, y deja como legado la Martha Graham Dance Company and School, que persiste como un patrimonio invaluable para la comunidad internacional de la danza.

 

Alvin Ailey (1931 - 1989, EE.UU.)

Alvin Ailey tiene un lugar importante en la historia de la danza moderna por ser el coreógrafo de la llamada ‘black modern dance’ (‘danza moderna negra’). 

Ailey pasa por una variedad de enseñanzas e influencias (como la de Katherine Dunham, Lester Horton, Doris Humphrey y Martha Graham) antes de crear su propia compañía: El Alvin Ailey American Dance Theater. Lo que más distingue su trabajo es el enfoque en la expresión de los sentimientos de la comunidad ‘negra’ o afrodescendiente. 

"Revelations" Coreografía: Alvin Ailey.

La más famosa de sus coreografías, titulada “Revelations” (1961), es considerada una obra maestra que recoge sus elecciones estéticas mas reconocidas: lirismo, uso de música étnica (negro spirituals en este caso), técnica Graham, espiritualidad y ambiente revolucionario.

Aunque es reconocido por su énfasis artístico en aspectos de la cultura afro descendiente, en el tiempo, él abre su compañía a posibilidades multiétnicas. Según la historia de la danza moderna, esto ocurre antes de que establezca su lenguaje coreográfico propio.

Ailey es recordado como quién trazó el camino y lugar para formas de danza multiétnicas, así como para nuevos coreógrafos, ya que dispuso su escuela y compañía para que otros crearan en ella.

 

Alwin Nikolaïs (1910 – 1993, EE.UU.)

Diseñador, compositor y coreógrafo, Nikolaïs es uno de los artistas modernos más populares del mundo. Tiene una preferencia marcada por la abstracción, la cual él expresa desde el inicio de su carrera coreográfica: “Tenía que redefinir la danza y concluí que la esencia de este arte es el movimiento, así como el color es a la pintura y la tridimensionalidad es a la escultura”.

"Tensile Involvement" Coreografía: Alvin Nikolaïs.

Crea obras donde el movimiento del cuerpo humano tiene la misma importancia que efectos ópticos, collages, pinturas, proyecciones y todo tipo de accesorios para crear ilusiones escénicas.

Estas son algunas de sus inclinaciones estéticas principales:

-          Cualquier parte del cuerpo puede ser ‘el centro del movimiento’.

-          El ser humano es simplemente otro elemento entre el universo del movimiento.

-          El cuerpo es metamorfoseado y se vuelve abstracto: con accesorios, telas, grandes varas…

-          Tanto la improvisación como la composición son parte del entrenamiento técnico. El estudiante es responsable de explorar su propio cuerpo.

Nikolaïs también es reconocido en la historia de la danza moderna por sus grandes habilidades como maestro, las cuales se centran en desarrollar la capacidad de invención de sus estudiantes. Algunas personalidades importantes formadas en su compañía son Murray Louis, Carolyn Carlson y Susan Buirge.


Como pueden ver, hay mucho que contar sobre la historia de la danza moderna y son muchos sus personajes importantes. He hecho el resumen de arriba para ayudarles a hacerse una primera idea general.

Seguiré ampliando el tema en el futuro, con nuevos textos que amplíen temas específicos o faltantes. Haré lo posible por incluir información sobre otras personalidades menos mencionadas, pero no menos importantes como Kurt Joos, Harald Kreutzberg, Oskar Schlemmer, Louis Falco, Lester Horton, Paul Taylor, Twyla Tharp, Murray Louis…

Si hay alguna información sobre la historia de la danza moderna que no encontraste aquí y quisieras tener, sólo házmelo saber. Haré lo mejor que pueda para incluirla!


Lecturas relacionadas (en inglés):

British Modern Dance between 1965 and 1985

Lester Horton and cultural plurality

Kurt Jooss and Mary Wigman

Dvd on modern dance history: trailblazers of modern dance


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